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看《相声之争》有感（通用11篇）
我们在人生的旅途上，会观看欣赏许多优秀的作品，相信大家增长不少见闻吧，为此就要认真思考观后感如何写了。想必许多人都在为如何写好观后感而烦恼吧，以下是小编为大家整理的看《相声之争》有感，仅供参考，欢迎大家阅读。
看《相声之争》有感 1
2018年8月11日播出的《相声有新人》第一期节目中，上海交大的博士夫妇，李宏烨和郑钰将自创的《公式相声》搬上了舞台。二人的表演效果暂且不论，单现场行为就让人惊讶。
他们上台后，先送了三本自撰的书给评委郭德纲，并声称郭德纲可能看不懂这些书，而且其中一本书的扉页赫然写着“赠予相声名家郭德纲老师：‘看懂难，应用更难！咀嚼咀嚼！’”的赠言。被淘汰后，他们则放话：“咱们走着瞧，今天是您不让我们过，明天坐在那个位置上的也许就是我们！”
平心而论，这对博士夫妇的台风不敢恭维。傲慢无礼的送书，锋芒毕露的怒怼，令人感觉仿佛他们的不红，没能晋级，就是因为郭德纲的存在，只要把老郭干掉，那相声界就是他俩的了。
这未免是巨大的误解。首先，即便是为了搏出位，吸引眼球，博士夫妇的现场表现也完全可以用“无礼”来概括。读进去的书，应该内化为修养，外化为气质。如果完全不约束自己的行为，上来就是一股霸凌之气，生怕人家不知道自己是博士，就太浅薄了。
其次，郭德纲现在也算是相声界的'前辈了，即便想超越他，也应该走正途，用作品把他的观众“抢”走。总是说狠话，甚至说出小混混打架打不赢时的面子话，怎么可能赢得观众的理解和认可？
节目中，博士夫妇说，根据“笑果预期总公式”，他们至今写出了五百多段相声。可以说，在他们那儿，相声依靠“科技”实现了量产。但是，相声是一门综合艺术。文本创作是一方面，演员的水平更是一方面。没有表演作血肉，没有演员的个人风格和气场做灵魂，通过公式写出来的相声，也只是一副空荡荡的骨架罢。
这年头，什么都想和科技沾点边儿，什么行业都可能被高科技取代，但唯有艺术不行。
艺术需要感情，需要灵魂，艺术因为多元性及不确定性才充满魅力。而科技是理性的，靠理性的科技做出来的感性艺术，只能是四不像。就像如今的人工智能机器人，号称可以下棋，可以写诗。虽然下棋的机器人能赢得真人，但写诗的机器人写出的所谓诗歌，可能连小孩子都看不上！
这就是创意创作和逻辑判断的区别。艺术是感性的创作，而科技是理性的逻辑判断。李白的诗歌，梵高的画，贝多芬的音乐，哪一个不是闻名于世？但他们在创作的时候用到公式了吗？他们的作品通过科技实现量产了吗？艺术需要的是情感的共鸣，而不是计算。
看《相声之争》有感 2
《相声之争》中郭麒麟、阎鹤祥与岳云鹏的《谁是一哥》表演，将相声艺术的代际传承问题具象化。郭麒麟作为德云社少班主，其台风中既有父亲郭德纲的市井智慧，又融入了90后演员对网络文化的理解，例如在表演中调侃“流量密码”时，他巧妙结合了短视频平台的传播逻辑。而阎鹤祥作为捧哏，其扎实的快板功底与对传统段子的现代化改编，展现了中年演员对技艺的坚守。岳云鹏则以“贱萌”风格突破传统，他的《五环之歌》虽非严格意义上的相声本门唱，却通过全民传唱证明了艺术形式的包容性。
这场表演暗含的“一哥”之争，实则是相声从“撂地”时代到“流量时代”的转型缩影。当郭麒麟用“子承父业”的'天然优势对阵岳云鹏的“草根逆袭”，本质上是在探讨艺术传承中血缘与能力的权重。正如侯宝林曾言：“相声不是家传手艺，是让人笑的学问。”德云社的实践表明，代际碰撞非但未削弱艺术生命力，反而通过竞争催生了《文玩》《扒马褂》等融合传统与现代的新经典。
看《相声之争》有感 3
2008年郭德纲与姜昆的“反三俗”之争，在《相声之争》中以更隐蔽的形式延续。表演中郭麒麟调侃“主流相声演员只会唱红歌”，阎鹤祥则以“数来宝难度高于太平歌词”的学术争议回应，这种台上的“互怼”实则是艺术价值观的碰撞。
历史上，马三立通过改良《卖布头》去除低俗包袱，侯宝林在《关公战秦琼》中注入历史讽刺，均证明了“雅俗共融”的'可能性。反观当下，部分演员为追求流量过度依赖“砸挂”，甚至触碰伦理底线，恰如师胜杰生前批判的“相声开始这么说了”。《相声之争》提醒我们：雅并非高高在上的教化，俗亦非低级趣味的代名词。当郭麒麟在表演中用“盘他”等网络梗逗乐观众时，岳云鹏则以《从军记》展现家国情怀，二者共同构建了相声“寓教于乐”的现代范式。
看《相声之争》有感 4
京津相声之争在《相声之争》中表现为表演风格的差异。郭麒麟的京味相声注重语言节奏的抑扬顿挫，其“使相”（面部表情）继承了侯宝林派的精致；阎鹤祥的快板则带有天津相声的`市井气，在《说唱数来宝》中融入了“哏都”特有的幽默感。这种地域特色背后，是相声发源地北京与繁荣地天津的文化博弈。
历史上，张寿臣曾批判北京相声“会唱不会说”，侯宝林则通过加入戏曲元素实现雅化转型。当下，德云社在天津开设分社引发的争议，实则是市场话语权与艺术正宗性的较量。但《相声之争》揭示了一个真理：流派争鸣从未阻碍相声发展，反而催生了马三立的“马派”冷面幽默、常宝堃的“常派”肢体喜剧等多元风格。正如常贵田所言：“不同圈子不等于艺术分离，语言差异才是地域特色。”
看《相声之争》有感 5
何云伟与郭德纲在“本门唱”定义上的分歧，暴露了相声行业师徒传承的规则困境。郭德纲坚持太平歌词为相声本门唱，何云伟则主张纳入数来宝，这种学术争议背后是师徒权力关系的重构。历史上，马季与侯宝林的'“师徒悬案”虽无定论，却推动了行业对师承制度的反思。
当下，德云社通过“云鹤九霄”排字确立现代学徒制，而主流相声界仍依赖“摆知”仪式维系传统。这种矛盾在《相声之争》中表现为年轻演员对“海青腿”（无师承者）身份的突破。当郭麒麟以“少班主”身份登台时，其艺术合法性既来自血缘传承，更源于市场认可。这印证了马三立的观点：“相声演员的本事在台上，不在谱系里。”行业规则的重构，终将服务于艺术本体的创新。
看《相声之争》有感 6
《相声之争》中孟鹤堂与烧饼的PK，揭示了市场选择对艺术创作的导向作用。孟鹤堂的《幸福生活》糅合郭德纲经典桥段，虽被批缺乏原创性，却凭借流畅节奏赢得观众；烧饼的`《健身指南》虽完全原创，却因话题熟悉度不足惜败。这种结果折射出相声市场的现实：观众既需要熟悉的“安全牌”，也期待新鲜的“惊喜感”。
历史上，马季在80年代通过电视相声实现大众化，德云社则在21世纪借助短视频完成年轻化转型。但市场选择从未让相声丧失本真，正如郭德纲所言：“包袱要响，但不能炸了场子。”《相声之争》表明，艺术与市场的平衡点在于“守正创新”——既保留“说学逗唱”的核心技艺，又以现代语境重构表演形式。当郭麒麟在表演中融入脱口秀的互动技巧时，他实际上在探索相声的“第三种可能性”。
看《相声之争》有感 7
在《相声之争》的舞台上，郭麒麟、阎鹤祥与岳云鹏的《谁是一哥》看似是一场“名号争夺战”，实则是相声艺术新老流派的一次激烈碰撞。郭麒麟以世家子弟的从容，将传统相声的“说学逗唱”拆解重组，在《德云斗笑社》中即兴创作的“德云版职场生存指南”，既保留了相声的讽刺内核，又融入了Z世代的'语言体系。而岳云鹏则以“萌贱”风格颠覆传统，其标志性的“五环之歌”虽被质疑“偏离相声本源”，却以千万级传播量证明：当传统艺术与流行文化碰撞时，接地气的表达更能触达年轻观众。
这种碰撞并非偶然。侯宝林曾以“文明相声”改革运动，将市井段子中的低俗内容剔除，使相声登上大雅之堂；而郭德纲的德云社则以“市井智慧”为底色，在剧场中重现“带颜色”的俏皮话，形成“雅俗共赏”的独特风格。正如马三立所言：“相声是活的，得跟着时代喘气。”当郭麒麟在表演中加入网络热梗，岳云鹏用“五环之歌”解构城市焦虑时，他们都在用各自的方式回答同一个问题：相声如何在传承中创新？
看《相声之争》有感 8
《相声之争》中，何云伟与郭德纲关于“本门唱”的争议，实则是相声行业师徒传承体系的一次裂变。郭德纲坚持“太平歌词为本门唱”，而何云伟在非遗相声大会上强调“数来宝亦属本门”，这种分歧折射出师徒制在当代的困境。传统相声行业中，“口传心授”是核心传承方式，但德云社的扩张打破了这一模式——其演员多通过“速成班”培训，而非长期跟师学艺。
这种变化引发了行业震荡。2016年侯耀华“清门”事件中，李宽借侯家名义炒作流量，实则暴露了行业内部的利益争夺。正如郑好所言：“天下攘攘，皆为利往。”当德云社演员通过短视频平台获得巨大流量时，传统相声演员不得不面临选择：是坚守“三年学徒，两年效力”的旧规，还是拥抱“流量为王”的新生态？这种撕裂在《相声之争》中具象化为演员对“一哥”名号的`争夺，背后实则是行业资源分配的深层矛盾。
看《相声之争》有感 9
《相声之争》的舞台，暗含着京津两地相声风格的百年博弈。北京相声以侯宝林为首的“侯派”为代表，追求“雅致”与“教化功能”，其表演常出现在人民大会堂等正式场合；而天津相声以马三立的`“马派”为旗帜，扎根“三不管”地界，以市井幽默见长。这种差异源于历史语境：北京作为政治中心，相声需承担“宣传工具”的角色；天津作为码头城市，相声则是市民消遣的“精神零食”。
在《相声之争》中，这种地域基因被具象化为表演风格的对比。郭麒麟的台风自信而克制，符合北京观众对“文化品位”的期待；岳云鹏的“萌贱”则更贴近天津观众对“接地气”的偏好。当德云社在天津开设分社时遭遇抵制，实则是两种文化基因的碰撞——天津同行担忧“外来者”打破本地生态，而德云社则试图用市场化运作重构行业规则。这种博弈在《相声之争》中转化为演员对“一哥”地位的争夺，背后是地域文化话语权的较量。
看《相声之争》有感 10
《相声之争》中，张云雷因“砸挂”争议屡上热搜，暴露了流量时代相声演员的伦理困境。传统相声中，“砸挂”需遵循“台上无大小，台下立规矩”的原则，但张云雷在表演中调侃历史人物，引发“突破底线”的批评。与之形成对比的是，马三立、侯宝林等大师通过改良相声，将讽刺对象从个人转向社会现象，既保留了艺术锐度，又避免了人格冒犯。
这种转变源于媒体环境的变化。在短视频时代，相声片段被拆解为15秒的“笑点包”，演员为追求传播效果，不得不简化内容、放大争议。正如师胜杰所言：“一字之差，谬以千里。”当相声从“两个小时的艺术”压缩为“三秒的`梗”时，其文化深度必然受损。在《相声之争》中，演员对“一哥”的争夺，实则是流量逻辑下对“注意力资源”的争夺——谁能制造更多话题，谁就能获得更多曝光，而这种逻辑正在消解相声的艺术本质。
看《相声之争》有感 11
《相声之争》的终极启示，在于相声行业需在撕裂中寻找平衡。一方面，德云社的市场化运作证明了“观众即衣食父母”的生存法则——其演员通过综艺、短视频扩大影响力，使相声从剧场走向大众；另一方面，主流团体尝试网络直播，试图用新技术重构传播渠道。这种“既要传统，又要创新”的尝试，恰如马季所言：“相声的未来，藏在‘既要...又要...’的辩证法则里。”
在《相声之争》中，郭麒麟、阎鹤祥与岳云鹏的.互动给出了答案：他们既通过“一哥”争夺制造话题，又在表演中融入对人际关系、社会现象的观察，使娱乐性与思想性并存。这种平衡在2025年央视春晚的相声节目中得到验证——《年三十的歌》通过经典歌曲串烧唤起集体记忆，《如此家长》以幽默方式反思教育焦虑，证明相声仍能在主流语境中保持锐度。
相声的未来，或许不在于“谁是一哥”，而在于行业能否在传承与创新、雅与俗、市场与艺术的撕裂中，找到属于自己的生存法则。正如《相声之争》所展现的：当演员在台上用每一个包袱、每一次眼神交流争夺关注时，他们真正争夺的，是相声这门艺术在当代的生存空间。
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