电影制作的完整流程

电影制作的完整流程

　　电影的传统任命方式已经变得过于专业化，对责任进行了划分，对工作界限有明确的界定，因此每个人都有自己的局限性。下面是小编为大家整理的电影制作的完整流程，欢迎参考~

　　电影的制作流程基本分为五个阶段：

　　1.发展阶段：撰写剧本并将之转换为拍摄的蓝图。

　　2.前期制作：为实际拍摄作准备工作，过程中将会雇用聘请演员和工作团队、挑选拍摄地点，以及搭建场景。

　　3.中期制作：拍摄录制电影内容的原始片段

　　4.后期制作：剪辑影片并同时剪辑剧中对话(但是与影片分开进行);创作、演奏并录制背景音乐(和歌曲)、设计并录制音效;制作并加入电脑“视觉”数位特。所有音讯元素被混合成称为“stem”的主音轨，之后将主音轨和影片合并。此时电影正式完成(好莱坞称为“锁定”(locked))。

　　5.销售和发行：针对潜在可能的买主(发行商)举行试片，发行商购买电影后将之送往电影院和/或发行成DVD等家庭数位媒体。

　　好莱坞风格的制作流程通常需要花费3年的时间。第1年是进行发展阶段，第2年开始前期制作和正式拍摄，第3年则进行后期制作和发行。

　　发展阶段

　　在这个阶段，制作人(或称监制、制片)挑选一个故事，来源可能是书籍、舞台戏剧、其他电影、真实事件或原创构想等。接着在决定主题或想要传达的讯息之后，制作人和作家共同讨论剧本的概要(synopsis)。接着他们完成称为“step outline”的大纲，将故事分成多个由单一段落所描述的场景(scene)，这些段落的内容主要是描述戏剧演出上的架构。之后，制作人和作家会撰写前期纲要(treatment)在25至30页的范围内描述故事内容、情绪风格以及人物角色。其中通常不会出现太多的对话和舞台指导，而会专注在帮助视觉化关键部份的插图。

　　如果这份纲要被电影公司、官方电影机构或独立投资人等出资者接受，这部电影等于获得了拍摄资金支援。接下来制作人和出资者双方会讨论并签订合约。当合约签订完成后，电影就会正式进入前期制作阶段。接下来，编剧将会用数个月的时间写出剧本。过程中编剧可能会重新撰写数次以增强或改善戏剧张力、叙事清晰度、剧情结构、角色深度、对话内容以及整体的风格。

　　然而，许多制作人会略过上述的所有步骤，而直接开始发展制作已经过投资人、片厂或其他有团体分析审核的剧本，其中这个分析、审核剧本的过程称为“script coverage”。此前期发展阶段制作人也可能会连络电影发行商来确定电影潜在的市场以及商业价值。好莱坞的电影发行商通常会采取较为商业化的方式，他们会考量包括电影类别、目标观众、之前类似影片的表现、影片中可能出现的演员、可能执导电影的导演等事实要素。这些要素都可能影响电影最后在商业营收上的表现。并非每一部电影都能依靠戏院的上映票房赚钱，因此电影公司也会将DVD销售和世界其他国家发行权纳入考量。

　　前期制作

　　在前期制作(又称“前制”)时，必须将电影设计并规划完成，成立制片公司和制片办公室。整个制作计划要由插画家和创作艺术家进行视觉化，并制成分镜表。也会事先估计制片预算以控制拍摄电影所需要的花费。

　　制作人(Producer)将会雇用以下工作团队进行前制：

　　导演 Director - 主要负责电影中的演出部份，以及管理电影中的创意部份。

　　助理导演(或称“副导演”) Assistant Director (AD) - 管理拍摄计划表，负责电影拍摄的其他工作后勤协调部份。

　　演员导演 Casting Director - 负责寻找适合剧本的演员。通常都需要进行演员的试镜。主要角色必须很慎重的选择，通常都依据演员的知名度和受欢迎的程度来决定。

　　场地管理 Location Manager - 必须寻找和管理电影的拍摄地点。大部分的电影都是在可以控制的环境下拍摄，例如制片厂的摄影棚(Sound Stage);偶尔有必须在室外拍摄的部份，就必须出外景。

　　制片经理(简称“制片”) Production Manager - 管理制作预算和制作计划。他/她也必须代表制片办公室，向制片厂的行政部门或财务部门报告电影拍摄的状况。

　　摄影指导 Director of Photography (DOP) / Cinematographer - 负责电影的摄影部份。他/她必须和导演、声音导演(DOA)和助理导演(AD)合作。

　　美术指导(简称“美指”) Art Director - 负责管理美术部门，要进行拍摄场景的搭设、服装设计，以及提供化妆和发型的服务。

　　制作设计 Production Designer - 建立拍摄场景、服装、化妆和发型的的视觉外观和整体气氛、感觉。和艺术指导一起进行这些东西的制作。

　　分镜插画家 Storyboard Artist - 负责绘制图片，来协助导演和制作设计指导与制作小组沟通彼此的构想。

　　音效指导 Director of Audiography (DOA) / Sound Director (SD) - 负责整部电影音效的部份。他/她必须和导演、DOP和AD合作。

　　音效设计 Sound Designer - 创作电影所需的新音效。

　　作曲家 Composer - 创作配乐。

　　舞蹈指导 Choreographer - 创作并编出舞蹈和动作，通常是在音乐剧中使用。有些电影也会有“武术指导(Fight Choreographer)”。

　　拍摄制作

　　在拍摄时电影已经被计划好了。制片公司和制片办公室已经设立。 制片人将雇佣以下一些人员：

　　导演

　　助理导演

　　场记

　　场景经理

　　制片经理

　　摄影指导

　　美术指导

　　编剧

　　混音制作

　　音效制作

　　作曲人

　　动作编导

　　后期制作

　　后期制作(经常简称“后制”，post-production)是将完成电影的所有要素组合起来的过程。现代的电影制作分成两种不同的工作流程：全程使用传统电影底片(film)，或混合使用传统电影底片和数位影片(film and video)。

　　在传统电影底片的工作流程中，首先会将摄影机所拍摄的原始底片冲印和拷贝后制成单一光度的毛片(one-light workprint)，以便在机械式剪接仪器上进行剪辑。

　　电影制作六大秘诀

　　合作

　　“因为我的年龄划分，我不完全属于新浪潮的一分子，但我和里维特、巴赞、德米、特吕弗等人都互相尊重互相赏识，所以我觉得我和新浪潮流派的关系很融洽。”

　　虽然雷乃常和法国新浪潮流派掀起电影思潮大变革相关，但他从未正式地与秉承“电影法则”的电影人合作过，制造最具破坏性的运动，并改变西方电影的游戏规则。相反，他的合作范围更加广泛。

　　在20世纪50年代，雷乃曾与克利斯·马克(Chris Marker)一起拍过几部纪录片，包括惊人地批判了西方殖民主义者戕害非洲传统艺术的片子——《雕像也在死亡》(Statues Also Die)。

　　而60年代末，以他为代表的左岸派与几位新浪潮的先驱合拍了抗议越战的《远离越南》(Far From Vietnam)。近年来，雷乃改编了一些戏剧作品，随后制作成短片精选加进他的电影里。

　　研究雷乃的学者罗伯特·贝纳永(Robert Benayoun)提到，雷乃视作家为电影的核心人物，并将剧本的成功改编归功于一部好的文学作品。他不只一次地拒绝将他的名字放在电影职员表上，尽管完全没必要这么做。

　　雷乃的感性细腻得无可挑剔。然而他的工作都是通过公开的艺术合作进行的。通过认识和帮助其他艺术家，通过各种各样的合作去增进别人的灵感，然后又从其他艺术家的创作经历去吸取宝贵的艺术思想。雷乃是一个非凡的导演，但他不是天赋异禀什么都知晓的神，而是通过与他人合作来达到自己艺术巅峰的人。

　　你的角色不是去解释电影

　　在《去年在马里昂巴德》的采访中，雷乃提出一句很有哲理性的话来反对像大卫·林奇(David Lynch)和阿巴斯·基亚罗斯塔米(Abbas Kiarostami)那些创作神秘作品的先驱：

　　电影创作出来后，导演不要去干预观众的观影言论。如何让一部电影变得“神秘”?当观众自由地用自己的知识理解去提出解释(或辩驳)时，那这部电影自然就变得神秘起来了。

　　这种方法不仅期望调动观众的积极性，而且也做出一个惊人的民主性解释：

　　这是一种姿态，尊重观众并承认他们在影片主题意义的诠释中所发挥的重要作用。毕竟，如果没有观众，电影也没有存在的意义。

　　但如果电影制作人的工作不是去解释，那么她/他如何通过电影来与观众进行交流?

　　通过形式与观众交流

　　“除了形式不能有任何交流。如果没有形式，你就不能在观众中营造出情绪。”

　　——摘自1977年法国Positif杂志的一篇访谈录

　　建议不要描写恐惧

　　“我看到你所有能做的就是提议营造恐怖气氛，但如果你想在银幕上表现出一些非常真实的东西，恐惧感就会消失。所以我必须利用一切可能的手段来调动观众的想象力。”

　　雷乃今天的影响力在于他早年间拍的两部电影，他抓住了现实生活中所发生的大事件的真正恐惧：《夜与雾》中的纳粹集中营和《广岛之恋》中轰炸广岛和长崎的炸弹。两部电影都是以二战阴影里挥之不去的痛苦记忆和对人们的情感创伤为主题，对大事件进行深刻直接的刻画，这是前所未有的。

　　上述方法可能听起来很熟悉，因为它酷似希区柯克利用观众的想象力去制造悬念，并利用大脑自动填补空白的能力来暗示恐怖。

　　但雷乃采用这种方法还原了令人难以置信的历史性灾难时刻。当然这并不意味着他逃避现实——他的两部电影各自承载着对历史创伤的沉痛记忆。然而，雷乃采用带距离感的惊心的历史瞬间来并置这些镜头片段——一栋孤立的当代奥斯威辛集中营周围长满了绿草。这组镜头所表达出来的情绪不能再低落了，它似乎让观众看到了银幕上尸横遍野血流成河的惨景。雷乃就是这样让我们根据影片去脑补，结合曾发生在这儿的悲惨事件去臆想。

　　雷乃在他后来的电影中则采用更直接的政治言论来针砭时弊，像在《莫里埃尔》(Muriel )中一个法国家庭交流关于阿尔及利亚战争的看法，或是在《远离越南》中对越战的态度及观点的演讲。

　　所以，他常常将历史事件具化在日常生活中：就像我们所拥有的某些东西，不管离我们多近或多远，都存在于空间或时间中，来自于“事件”本身。而对于恐惧的建议就是，要勇敢的面对而不是选择逃避。

　　将你的生活奉献给电影和好奇心

　　跟雷乃频繁合作的兰伯特·威尔森(Lambert Wilson)聊到，跟一个拍了几十年戏且已经80多岁的导演合作有什么样的感受。毫无疑问，年龄的增长会给身体带来诸多限制。但令我动容的是，威尔森描述了雷乃所坚持的台前幕后的工作：他常年病魔缠身，但对艺术的痴迷常使他忘记了病痛。

　　雷乃在晚年不断地将多重艺术形式融入电影中。他活在自己的内心世界里，只有这样才会忘记年龄，精神财富才不会随之枯竭。

　　我们所能学到的东西：

　　不要划清想象与现实之间的界限

　　“我永远奉行安德烈·布勒东(André Breton)的那句话——假想的生活同样属于真实生活的一部分。”

　　如果雷乃的工作存在一个指导原则，那么接下来讲的就是。他早期作品的特征在于探讨如何回忆、清除或掩盖，这都是我们现实生活的一部分;我们重新审视，再重塑过去。他更多的新近作品在尝试结合更多的艺术形式到电影中来。拿《你们见到的还不算什么》来说，其讲述了一群资深演员同看一场舞台剧的排练片段，随着情节的展开，台下老演员们按捺不住地以他们曾经诠释过的角色排练起来。

　　在人的真实行为和表演之间、现实和想象之间，以及过去和现在之间的理性界线永远都区分不清楚。

　　事实上，事物间所谓的区分都是我们通过所经历的“真实生活”为参照的，是一种人为的随意的划分。雷乃尝试用艺术去解开这些伪区别，而他的成果也证明了电影是唯一有能力做到的媒介形式。

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