抽象绘画语言的研究论文
论文摘要：抽象绘画是现代艺术中非常重要的一种表现形式，它打破了以往写实再现自然的艺术范畴，而把形式、线条、色彩、肌理作为基本元素再组合，就这样艺术不需要依附具体的形象来说明，而可以纯粹欣赏结构元素的美感，开创了艺术新的方向。
论文关键词：色彩；音乐元素；材质；心灵
一、前言
在艺术创作之中，所谓的造型元素：色相、彩度、明度、笔触、肌理、形状、光线、空间、比例等，配合所谓的形式原理：律动、对比、统一、调和、比例、反复、渐层、单纯等，形成了美的要素。再藉由点、线、面、形成一件作品的造型和空间，形成有意味的形式，这就是抽象的结构语言。
抽象绘画的主要观念，就是认为艺术作品是由形与色这两个单纯因素所构成，而不必借助任何文学性、说明性、象征性来再现人们的内在感情，即便没有题目，没有对象，仍然存在，这似乎符合一般所认知的音乐特性。因为音乐由节拍与旋律组成，就算不去描绘景色或故事，节拍与旋律也足以构成美的本质。
二、色彩的安排
色彩的作用可分为生理的与心理的两方面，生理的感觉只持续片刻，它很表面，如果不特别在意，也不会存留什么印象，除非是第一次接触的东西，但当它表面的吸引力消失时，影响力也随之失去了。而心理的变化则不同，它可能是生理作用将之传到心灵而发生的，但到底是直接产生或经由联想而发生，没有绝对的答案，但心灵和身体常常是互为因果，在心理层面受到震撼时，生理也会受到影响，因此色彩隐藏着极大的潜力，足以影响人的身体。
抽象艺术，有很大的部份是在探究色彩的力量与脱离具象时的活动力，透过色彩创造出造型与动态的幻觉，产生一种视觉的效果，透过色彩尝试表现声音，而不再只是模仿物体的彩色图像。色彩的物质性，在主观的创造下，画面内容可以由非具象的造型与色彩表达出来，而观者可以自由地对画面做联想，以获得艺术家的意念。
关于色彩，在东、西方的表现上有很大的不同，中国绘画没有应用科学的色彩分析方法，讲究主观用色，大多数就是单色的黑白关系，但是这种黑白关系有着很强烈的心理暗示，至于在色彩的使用上，即使是青绿山水画也是极为主观地用色而非真实用色，就连最写实的工笔画也是描绘物象的固有色，从理论上来说仍是主观的。由此可知，中国画强调纯艺术，其色彩合乎生机勃勃之美，而非所谓逼真写实的再现色彩，它还包含着艺术家的生命和情感注入的深度感觉。
三、抽象绘画中的音乐元素
康定斯基说认为“十九世纪是外在的世纪，二十世纪是内心的世纪。”现代艺术越来越强调内心世界的探索，此时画面也多往抽象的情感发展，让人们能够听见绘画及看见音乐，这是一个重要的课题。音乐是有意味的形式，它的意味就是符号，音乐通过动态的结构，来表现生命经验的形式，经由运动和情绪，组成了音乐的意义，艺术家们的敏锐就像儿童，往往比其它人更容易听到东西的内在声音。好的绘画，就是无声的音乐，因为它有严密的组织，有起伏的韵律，有变化的轻重，有不同的强弱，绘画虽是有形的艺术，但也要追求那种无形的、不可捉模的音乐性。
抽象绘画也像音乐一样，是诉诸情感的，不同色彩与形的调和、对比、配置，都有不同的音乐性。过去，绘画中藉由色彩与线条构成与它相应的实物，使我们不难了解它的意义，如今，抽象绘画单纯的色彩与线条就是意义所在，抽象艺术表现的音乐美、旋律感，可以说主要就是藉由点、线、面、形和色彩等元素的结合与安排而来。其实长久以来音乐和色彩之间的对照就一直存在着；比如画家常常说的调子（指明暗）或是冷暖色调就是借用了音乐名词的“调”来比喻色彩；而音乐家们也常说音色、和声色彩等等。同样的，一个音乐作品很有绘画性，或一幅画很有音乐性，会这么说也不是偶然的。以立体派画家为例，他们不断地画和音乐相关的东西如：吉他、曼陀铃、钢琴、乐谱等等，这种潜意识的选择，足以说明音乐与绘画的关系密不可分。
为何音乐性在绘画中占有如此重要之份量？当然音乐之抽象性质为最主要因素，也是因为音乐一直不是一项表现自然现象的艺术，而是用以传达心灵的媒体。对于音乐，我们总以诠释音乐，而不用描写这两个字，这是因为它很难做具体的再现，叔本华认为只有作曲家，可以完全不受拘束地，去创造一种属于他个人意识之艺术作品，而且除了愉悦以外不具任何其它目的。 音乐是一门以音响的方式表现艺术家心灵，而不是复制自然现象的艺术，音乐具有特殊的性格与感染力，它是一种存在于时间的艺术，本质上是那么的抽象，不像绘画那样具体，但同样能产生感动人心的力量。它是如此吸引着人们的耳朵和心灵。
音乐就是拿许多高低、长短不同的音组合成一种很美的形式，音乐的美完全是一种形式的美，这种论调让艺术得以朝着更自由的方向发展，展现出更高的独立性与纯粹性。叔本华把音乐认为最高的艺术，因为其它的艺术形式只能表现意象世界，而音乐则为意志的外射，音乐可以直接表现意志，这种强调意志自身的写照，也成为十九世纪末至二十世纪初艺术追求的目标。
音乐是建立在各种声音的关系上，它们并不模仿任何生活现象，音乐的时间是单向进行的，从开始到结束没有回转的余地，而且听众是被动地跟随着音符出现的顺序来聆赏乐曲。但是绘画就不同了，绘画中的时间概念，是根据画家笔触的快慢，及造形与色彩的安排而产生的，所以画面的布局可以从四面八方来做各种安排，使得观众在欣赏时，可以从画面的任何一部分开始，顺向、逆向、重复、略过，以至结束，欣赏的时间是完全自由的。事实上，时间因素在绘画中摇身一变成为空间因素，绘画中所谓同时性存在的观念也更显重要，对于绘画－空间，音乐－时间这个长久以来看似合理的划分，却出现了复杂的交错性。
四、材质的抽象表现
在材质及意境的表现上，以西班牙的艺术大师达比埃斯为例，他的艺术作品在探讨一个有机的、无定型的世界，用一种来自中国或日本传统的单纯表达方式，运用大量粗糙物质来表现力量。他常以材料为独特的语言形式，也视形式与技巧为单一的研究课题，力图赋予抽象的绘画一种诗意般的理性。在他的作品里记录了他个人的世界观，由不同材质的处理，无论是以谜样般的符号、躯体的描绘与强调书法的气势，都在强调对日常生活所触及的事物。这些符号大都来自生活中不经意的痕迹，例如一面墙上的痕迹、一张破布的岁月、一个身体局部的形体暗示，他迷恋肌理、质感、色彩所呈现的感动，强调画面结构上的对比。
材料本身是没有生命力的，一件艺术品所具有的'感人力量，并不仅仅取决于材料，因此艺术家不能忘记创作的有效程度是和社会的心理状态相关的，因为创作总要被社会所容纳。大家都认为，真正的艺术家无不都有一段殚精竭虑的经历，但如果仅有思想，而没有跟物质进行拼搏，人们很快就会发现那个所谓的艺术家，根本就没有往前迈出一脚步。在达比埃斯的作品中，有时会出现对某些现实的拒斥：那些不自然的现实，凭空炮制的需求……比如说比比皆是的广告及其色彩。下意识地，他便去寻求、想象另一种颜色，一种悲剧性的、深沉的，能表现本质价值的颜色。应该重新找到世界真正的颜色，一种当世界尚未被庸俗的广告所占满的颜色，然而颜色本身并不存在，而是艺术家必须去给予一种内心的色彩。
有时在达比埃斯的作品里，有一种对于琐碎小东西的敬意：纸片、纸版、破烂……等，艺术家的手，可以说动手就是为了收集这些东西，把这些东西从遗忘、破损、撕裂，从时间的脚印下解放出来。既然今天的价值观念到处都是颠倒的，这种做法也许是有作用的。他认为艺术家都只管美的或重要的事物，这种观念是如此普遍，甚至公开显示他更喜欢今天被视为丑的、拙劣的、愚钝的或荒谬的事物。我们应该致力于推广以下思维：有成千上万的事物值得归于艺术，也就是归于人的范畴。有许多事物，无论乍看显得如何微不足道，只要置于正确的视角下，就会变得比那些重要的事物伟大得多，更值得尊重。在他作品里，那些谦卑的色彩成了质疑的标志，这不仅仅是一种内心的历史，而是一种正义与和平的本能。
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